THE ORAL CIGARETTES

オーラルがここまでやってきたこと、作品ごとにトライしてきたことがギュッと束ねられたアルバムだと思います。ヴァリエーション豊かではあるんですが、血肉にしてきたものを心のままに等身大で鳴らしている様が伝わってきて、その瑞々しい衝動が1枚にまとまっていると感じました。あきらさんは、どんな手応えを持っている作品ですか。
あきらかにあきら「僕も何回も聴いてしまうアルバムで、いちリスナーとして愛せる作品になったのが嬉しいですね。正直、これまでのアルバムは照れ臭い感じがあったんですよ。ちょっと狙ってんなとか、ちょっと背伸びしてんなとか、その時々の自分達とは乖離したところを狙っていく感覚があったというか。もちろんバンドの未来を見据えてのトライをその都度コンセプトを立ててきたわけですけど、今回は大上段に構えたコンセプトがないんですよね。何故そうなったかと考えてみると……デビューしてからの10年間で、拓也自身が自分の作りたいものを消化できたんじゃないかなと思ってて。手の内にないものを取りに行くというよりは、すでに手札の中にあるものを研ぎ澄ませてみようっていうのが今作のような気がするんですよ。新しいものを作るんじゃなくて、すでにオーラルが持っているものを思い切り出してみる。そういう作業やったから、等身大の作品になったんじゃないかなと思います。まあ、そういう会話があったわけではないんですけど（笑）。でも、聴いていてそういう感覚を覚えるアルバムなんですよね。オーラルの4人らしいものしか鳴っていないんやけど、その上で既視感があるわけでもない。そういうふうに捉えています」
ざっくりした質問ですけど、どうしてこの10年を消化してストレートに鳴らせるようになったんだと思います？
あきら「うーん……拓也が自分自身を肯定できるようになったんやと思います。今までやってきたことへの自信がついたんやろうし、ファンとの信頼関係もできたんやろうし。あらゆる意味で、今まで培ってきたものに対する自信ができたんやと思いますね」
実際、周囲の人への愛と信頼を歌っている曲が今作の肝になっていますよね。
あきら「そうなんですよね。僕としても、今回の歌詞が刺さっていて。曲ごとのテーマが見えやすくなったし、言葉はありきたりじゃないけど何を歌いたいのかが一発で見えるようになったと思うんですよ。かたや、歌詞を見ずに聴いたとしても歌のリズムが面白い。それくらい音ハメもオリジナリティのあるものになって、日本語詞でも洋楽っぽく聴こえてくる曲もある」
“DUNK feat. Masato（coldrain）”はまさにそういう曲だと思う。
あきら「そうそう！　で、いざ歌詞を見てみたら、強いワードをはっきりと歌っている。きっと拓也は歌詞やメロディの面で悩み抜いてると思うんですけど、僕らは彼のそういう姿をあまり見たことがなくて。それでも今回は、拓也の熱量をこれまで以上に感じる歌だったので。一切文句のつけようがない歌詞、文句のつけようがないメロディですね、今回は。隙がない」
あきらさん自身は、『SUCK MY WORLD』以降のオーラルの歩みをどう捉えていて、どんなところに向かいたいと思ってやってきたんですか。
あきら「ありきたりな言葉ですけど、この数年でメンバー同士の信頼関係が強くなったのが大きいことやと思っていて。コロナ禍があったからこそお互いの意思疎通を強めていったのも大きかったし、2022年に拓也が東京を離れたっていうのもあるんですけど。オーラルとしてどうしていくのかを考える以前に、メンバー個々がどんなふうに生きていきたいのかを共有する時間やったと思うんです。その中で、簡単に言ったら『メンバーがめちゃくちゃ大事』っていう気持ちが強くなったんですよね。コロナ禍を経たことでライヴの楽しさを改めて実感したし、お客さんが声を出して応えてくれる嬉しさとか、対バンの面白さとか——オーラルにとってもメンバー個々にとっても何が一番大事なのかを体感できたから、それをそのまま体現できる曲を作りたいと思っていて。メンバーへの感謝と信頼、お客さんへの感謝と信頼を強めた上で、それをライヴで表現できる曲。今回の作品に向かう指針は、そういうものやったと思います。他のインタヴューでも言ってることですけど、これまでは『FIXION』が代表作とされてきたところがあって。あの作品もライヴを盛り上げることを念頭に置いて作った作品だったわけですけど、だからこそ、今の僕らのマインドで『FIXION』を作りたいと何度も言ってたんですよ。そもそも、バンドを続けていく中で『代表作』とされるものはいつか超えていくべきですし、今やったら『FIXION』を超えられるんじゃないかなっていう感覚があって。……『FIXION』当時はフェスに出始めた時期やったんで、よりアンセム感のある曲を入れよう、フェスで盛り上がる曲を入れようっていうのがあったんですけど、そこからフェスシーンが台頭していって、今度はフェスのステージで勝ち上がっていった他のバンドと差をつけていくためのフェーズに入っていって。で、テクニカルな側面を強めた『UNOFFICIAL』を出したり、その後は洋楽っぽい要素を強めた『Kisses and Kills』を出したり。その上で、自分達の音楽の枠を広げるようにして『SUCK MY WORLD』を作ったわけです。そういう道のりがあった上で、自分達の血肉になった得意なものを凝縮すれば『FIXION』を超えられるんじゃないかっていう予感があったんですよね。たとえば“狂乱 Hey Kids!!”や“BLACK MEMORY”をセットリストから外したとしても、今まで以上のライヴをやれるような。そういうアルバムを作ることが、代表作を更新することになるんじゃないかなと思ってました」
つまり、今作の根底には「ライヴの熱狂」を改めて作りたい気持ちがあったということですよね。そしてこの数年で、そこに人生における大事なものがあるという確信を掴んだという話だと思ったんですが。
あきら「そうですね」
何が一番大事なものなのかを体感できたとおっしゃいましたが、あきらさんにとって、それはどういうものだったんですか。
あきら「これは、自分の中でプラスなのかマイナスなのかがわからないんですけど、僕はパソコン作業が本当に苦手で。DTMの作業が全然できないんですよ。もはやDTMに限らず、ひとりでチマチマやるのが嫌い（笑）。なのでライヴがなくなってリモートで制作するしかなかったコロナ禍は元気がなかったんですけど、今はシゲがDTMをできるようになってくれたおかげで、こういうのやりたいねん！っていうやりとりをしながら作れるようになって。各々の性格に合った役割分担がクリアになったのも、各々にとって健康的なことなんじゃないかなって思いますね。今作も、浮かんだアイディアをシゲに伝えて打ち込んでもらいながら作っていったんですけど、やっぱり僕が求めているのは『誰かと一緒にひとつのものを作ること』であるというのを、改めてこの数年で痛感したんですよ。特にコロナ禍を経たことが大きかったんですけど、リモートでの制作が主になってきた時に、やっぱり僕は人と一緒に鳴らすことが好きでバンドをやってたんやなって思ったんですよ。だから僕はライヴが好きなんやろうし、ライヴハウスでファンの人と一緒に楽しみたいと思い続けてるんですよね。どうしても、ライヴを意識したアレンジの注文を拓也にしちゃうし。なので僕にとって何より大事なのは、第三者、なんなら第二者がそこにいること。ひとりやったら音楽を作らないでしょうし、『誰かと一緒に何かをやりたい』っていう気持ちが今までは漠然としたものやったのが、『この人と一緒にやりたい』というふうになっていったというか。メンバーやチーム、家族、ファンの人……大切な人の存在がどんどん明確になっていったのがこの数年なんです。この先も一緒に生きていきたい本当に大切な存在っていうのは、両手の指に収まるくらいしかいない。いろんなものを欲しがったり広げたりするんじゃなくて、抱え切れるだけでよかったんですよね。で、その人達に向かって愛情を注げれば、よりよい関係でこの先を歩んで行けるんじゃないかなって。ライヴを大事にする気持ちと、本当に大切な人へ向けて愛を注ぎたい気持ち。そこは繋がってくるところなんじゃないかなと思います」
あきらさんのおっしゃったことは、結果的に一番広い場所に繋がるんじゃないかなと思うんですよね。凡庸なたとえになっちゃいますけど、顔の見えない人に放つ浅く広いものより、一人ひとりに向けて放つ濃い光線みたいなもののほうが深く刺さる。そして、深く刺さった人と同じ心の形の人に、また刺さっていくと思うから。で、それは音楽的な部分にも表れていると思うんです。たとえば“DIKIDANDAN”のイントロのベースラインは非常にシンプルですけど、あきらさんのベースの元にギターとドラムが集って、ひとつの太いフレーズになっているように感じるんですね。
あきら「ああ、そうですね」
もちろんオーラルらしいカオティックなアレンジもいろんなところにあるんですが、いろんな要素を足していくというより、4音を束ねることでどういうカタマリを作れるのかという発想もまた強まっている作品だと思うんです。こう言われてみて、何か自覚的なものはありますか。
あきら「きっと、そこはリンクしてますね。この曲はどんなところに向けて放たれているのか、この曲を刺したいのはどういう人なのかっていうのも含め、より一層4人でひとつの曲のことを考えるようになったんですよ。『俺はこうする』『じゃあ俺はこうする』というよりも、4人で何をするのかっていうふうにマインドが変わったというか。それこそ“DIKIDANDAN”は4人でひとつのものを鳴らそういう意識なんですよ。もちろん、僕が別のフレーズを弾いたほうがオイシイっていうのもあるんですけど、大事なのはそこじゃないんですよね。やっぱり曲のことを第一に考えるし、すなわちオーラルのことを第一に考えるっていう気持ちなんです。たとえば“DIKIDANDAN”で言ったらBメロで一気に開けるんですけど、イントロを4人で揃えて一緒に走った分、次のセクションではベースが高いところに動くことで開けた印象になる。見せ場っていうのは個性的なフレーズを弾くことだけじゃなくて、そういうふうに曲の意味を汲んだプレイができるかどうかなんですよね。デビューしたての頃やったら、『お前がやりたいんやったら自由でええよ』って言うだけやったんでしょうけど（笑）、もうさすがに、曲に対してベストの解答をするのが一番カッコいいと思えてるので。僕だけじゃなくて、4人全員がそうやと思いますね」
長年やってれば当然まとまるよっていう話なんですか。
あきら「いや、長年やればやるほどメンバーの統率が取れなくなっていくバンドもいるんじゃないですかね。ただ、ウチは特殊なバンドやなっていうのは思うんです。結局オーラルは、山中拓也の才能を際立たせるバンドなんですよ。昔は『俺の才能が』『いや、俺の才能が』っていうバンドやったのが、やればやるほど、山中拓也の才能を前に出すべきバンドになってきた。わかりやすいところで言うと、シゲがDTM作業をメインでやるようになったことでフレーズを可視化できるようになって、シゲのフレーズが曲にハマるようになったんですよね。これまでは上でピロピロやるギターフレーズが目立ってましたけど、それが下でズンズン鳴らすこともできるようになったし、やっぱり各々の曲に寄り沿う力が増したんやなって実感して。各々のエゴが限りなくゼロな状態まで来たんじゃないですかね。個々のフレーズの個性が減ったとも言えますけど、その分バンドとしての個性が際立って、拓也の表現したいものが研ぎ澄まされた感じ」
曲単位の話でもあるんでしょうけど、THE ORAL CIGARETTESがどんなバンドで在りたいのか、どんなものを伝える存在で在りたいのかがハッキリしたからこそ、ひとつの意志として音を鳴らせるようになったところもあるんですか。
あきら「ああ、そうですね。今の話は曲単位で言ってましたけど、どこを切り取っても『お互いに寄り添う』っていう感じになってきたんじゃないですかね。プライベートの過ごし方ひとつとってもそうやし。バンドのため、バンドに関わってくれる人のために何ができるのかっていう気持ちが年々強まってきたと思う」
最後の質問みたいになっちゃいますけど、THE ORAL CIGARETTESはどういう存在でありたいのかを言葉にできますか。
あきら「僕、漫画をよく読むんですけど……『キングダム』の信みたいに、秦国が大きくなったとしても最前線で闘ってくれるヤツでありたい（笑）。ふんぞり返りたくないし、ずっと番狂わせ精神を持ってやっていくんやろうし。飽きさせないバンドでいたいし、4人で意志疎通しながら走っていくところに、気づいたらファンもついてきてくれるようなチームでありたい。だから、主人公らしい主人公のバンドでありたいと思ってますね。でも、最初からズバ抜けた才能を持っているアカレンジャーとしてではなく、『奈良から出て来たバンドがアカレンジャーになっていく』っていうのが大事やと思うんですよ。音大を出たわけでもない4人が、人と人の関係を大事にして味方を増やしていく。人情味のあるバンドでありたいし、そういうふうになれてるんじゃないかなっていう気がしますね」
失礼な言い方かもしれないですけど、オーラルは作品ごとに人間っぽくなってきた気がしていて。
あきら「ほんまに。面白いですよねえ」
エモーション一発、人間一発でデビューして、そこから成熟していくバンドのほうが多いと思う。だけどオーラルは、作品ごとに血がどんどん通うようになって、4人の表情が音に宿るようになってきた。そこが面白いし、特異だし、未来が見えるところだと思います。
あきら「ほんまに、最初の頃のほうが重い服を着てたんやなって思います。なぜかって、自分がただただ小さかったから。大きく見せようとしてたし、大きく見せようとしてたからビッグマウスなMCやったんやろうし（笑）。僕らも『いけいけ、拓也もっと言ったれ！』くらいに思ってましたからね。そこから背伸びしたり、いろんな経験をしたり、大事な人が増えていったりして、だんだん心と体が育っていって。自分らしいという意味でジャストサイズの人間になってこられたんでしょうね」
だからこそ、無邪気かつフレッシュなアルバムを作れたんだろうなと思います。先ほどは「最前線を走るバンドでいたい」というお話もありましたが、そこには、ロックバンドのシーンを両足で踏みしめて進んで行きたいという意味合いも含まれていると思うんです。ロックシーンにおける役割としては、どういうヴィジョンを持っていますか。
あきら「ど真ん中にいたいっていう気持ちが強いですね。最前線とは言いましたけど、三角形のてっぺんにいたいというよりも、円の真ん中にいたい。だから『DREAMLAND』みたいなプロジェクトで若いバンドと一緒にやったり、全国を回った対バンツアーに若い子を呼んだりしていて。小箱を回った放浪ツアーで言ってもね、『オーラルが小さいライヴハウスに来てくれるなんて』みたいに捉えられることもありますけど、僕らからすると『来たったで』という意識ではないんですよ。ここに来られて嬉しい、ここでライヴができて嬉しいっていう気持ちでやっていて。小さいバスに乗って移動して、ライヴして、次の朝にはまた移動して、搬入して……それが楽しくてしょうがないんですよ。まあ年齢的に搬入はしんどいですけどね。まさやんは僕らの7つ上ですけど、僕がまさやんやったら絶対にやりたくないと思う（笑）」
はははははは。いやいや、まさやんさんも楽しんでやってるでしょ。
あきら「まあ、楽に回れるなら楽に回れたほうがいいですよ、そりゃ。でもライヴハウスを回るのは本当に楽しいことなんですよ。で、いろんな意味で、ああいうライヴハウスツアーはラストチャンスかもしれないなって思ったんです。まさやんも『腰痛い』ってずっと言ってるんで（笑）」」
（笑）。
あきら「ただ、そうやってライヴハウスで鳴らし続けることで『ロックバンドをやっている』っていう自覚が生まれていくものやと思っていて。ライヴハウスでやっているからロックバンドやっていう公式が必ずしも当てはまるわけではないですけど、シーンっていうものを考えた時に、やっぱりライヴハウスはロックバンドの共通言語なんですよ。そういうふうに、シーンにおける居場所を自分達自身で豊かにしていくべきなんですよね。自分達の土壌は自分達で耕していくべきで、それをやって初めて『俺達のシーンです』って言えると思うので。去年はいろんなフェスでトリをとらせてもらいましたけど、そういう場所での説得力に繋がるとも思うので。実際にライヴハウスを回り続ける中で、等身大の自信を持ってやれたんじゃないかなと思います」
あきらさんはとても不思議な方だなって思うんです。人と何かをするのが好きだからバンドをやっているんだとおっしゃる一方、ひたすらベーシストとして輝きたい人のようにも思う。人と一緒に何かをやることのひとつとしてバンドを選んだと言いながら、やっぱりロックバンドへのロマンが強烈な方のようにも見える。音楽をやるにあたって、いろんなヴィジョンを持っている方のように思うんですよ。その辺りの意識は、今どんな感じなんですか。
あきら「僕はめっちゃ目立ちたがり屋なんで、かつてはベーシストとして注目されたい気持ちが強烈やったんですよ。だからベースのセミナーを開催したり、自分でベースのブランドをやったりしていて。でも今は、バンドが認められれば僕も認められるやろうし、人も近づいてくれるやろうなっていう気持ちになってきて。自分が認められるよりも前に、バンドとして毎日笑っていたいし、好きな人が喜んでくれれば笑顔でいられるやろうし。要は、幸福の定義がミニマムになるにつれ、承認欲求がなくなっちゃったんですよね。……なので僕的には、開いていくのとは逆の動きになってきた気がしていて。以前やったら『お祭りがあるから、みんなおいで』っていう感じだったとしたら、今は『俺らで自由に面白いことやろうぜ』って言って、それを見た人達が興味を持って寄ってくるっていうイメージでやってるんですよね。カッコいいことをやっていれば、自然と気づいてくれる人が増えていく。閉じてるっちゃ閉じてますけど、何より自分達の周りを面白くしていきたいっていう感じになってきましたね」
よくわかりました。そして、ここまで話してくれたことがそのまま表れているアルバムだと思いました。自分らしく生きていくにはどうしたらいいのか、自分が大事に思うものをいかに愛し続けるのかというテーマがあるからこそ、愛を阻害するものに対して徹底的に中指を立てている楽曲がある。その上で最終的に「愛」というところに向かっていく本作の流れは、オーラルが歩んできた人生そのもののようだなと思います。
あきら「1曲目が“Bitch!!”ですからね（笑）。で、“DIKIDANDAN”を含めてグサグサと刺すような曲が続き、“UNDER and OVER”からは、ここまで聴いてくれたならば愛で包み込みたいっていう気持ちが強くなっていく。5曲目までは音的にもズンズンしてますし、歌詞も強烈ですし。やっぱり入り口としては狭い作品のような気がします。でも、好きな人にはとことん刺さると思いますし、このアルバムを最後まで聴いてくれた人はずっと聴き続けてくれるんじゃないかなっていう気がしていて。それって、僕が中学生の頃にTSUTAYAのパンクコーナーで好きな作品を探していたのと似た感覚やと思うんですよね。見つけてくれた人にとっての名盤になってくれたら、それでいいので。もちろん広まってくれたら嬉しいですけど、自分達のこれからの行動を理解してくれる人にだけ刺さればいいと思ってますね」
確かに“Bitch!!”や“DIKIDANDAN”、“DUNK”辺りはサウンド的に尖っているし、2000年代ポストハードコアやニューメタルの匂いが強い。ただ、言葉や数字を使って人を蹴落としていく現代の風潮、人が人を傷つける構造に対しての中指であることが凄くわかりやすい歌だから、歌の刺さり方としてはキャッチーだと思うんですよね。オーラルが勝ち上がっていくために綴られていた楽曲達の毒とは違って、我々が幸せになるために闘わないといけないものを示唆している毒だから、聴く人もキャッチしやすい歌ばかりだと思う。
あきら「いい表現ですねえ。“DIKIDANDAN”は、拓也が東京から離れた時の歌なんですよ（笑）。人に裏切られて、こんな街には愛想尽きたわって言って＜leave the city＞する歌なんです。でも、ほんまにこのアルバムのテーマは言ってもらった通りかもしれないですね。人の愛とか信頼を大事にしたいからこそ、それを傷つけるものには徹底的に抗うっていう。人のことを蔑むようなヤツはこっちから願い下げじゃ！っていうモードなのかも。人を傷つけたり裏切ったりする人はもういいです！　僕らは幸せになりたいので、好きな人を大事にして生きていきます！っていう宣言みたいな曲が多いですもんね。拓也らしい言葉やなって思うし」
あきらさんから見て、拓也くんはどう変わってきました？
あきら「どう変わったんやろうな………『愛』みたいな美しい表現を、等身大でできるようになったんじゃないですかね。以前の拓也は、『愛』がめちゃくちゃデカいものやと思ってる節があったんですよ。でも意外と、愛ってこれくらい（手のひらくらい）に収まるものなんやなって知れたのが今やと思うんですよね。愛って意外とちっちゃかったなぁって驚きつつも、でもこのサイズやったら信じられるかもしれへんなっていう感じで歌にできるようになったというか。いわゆるJ-POPで歌われている愛はデカ過ぎると思ってましたけど、自分らにとっての愛はこれくらい小さいものなんやなってお互いで確認して、その愛が両手から溢れてしまいそうな時はみんなで支えようっていうのが今のオーラルなんやと思います。等身大の愛なんですよね、このアルバムで歌われてるのは」
巨大だと思っていた愛を掴んだんじゃなくて、自分達にとっての愛のサイズがわかった。
あきら「そうやと思います。きっと愛の形も人それぞれじゃないですか。人それぞれに、愛のサイズがある。それでいいと思うんですよね。愛はもっとデカいものやと思っている人も、それはそれでいい。ただ、大き過ぎる愛をもらっても、それは返せないじゃないですか。やっぱり人と人の間で感じ合えるものが愛であって欲しいし、僕にとっては、毎日笑っていることが愛なので。なんなら、大切な人ができたとか、好きな人がいるとか、それが愛とも限らないんでしょうし。『自分の心』っていう言葉に置き換えられるのが愛なんじゃないかなって思います」
“YELLOW”も等身大の愛を人に手渡す歌だと思うし、“愁”も、もらった愛に対するアンサーを歌っていると思う。で、周囲の人への感謝と慈愛をさらにストレートに歌って、共に歩んで行きたいという決意を掲げているのが“Savior Of My Life”という曲だと思います。この曲について、あきらさんの所感を語っていただけますか。
あきら「“Savior Of My Life”は、デモ段階ではもっと愛について歌ってたんですよ。それをもうちょっとぼかしたのか、広い意味にしたのかはわからないんですけど、ファンの人が聴いたら『私のことかな』って思う曲やと思う。オーラルのチームの人が聴いたら『自分らに歌ってくれてる』って思う曲やとも思う。つまり、あなたがいなければここまで進んで来られなかったという曲——弱い山中拓也だけど、あなたがいてくれたから進んでいけるんだよっていう曲だと思うんですよね。『あなた』っていうのはみんなのことやと思うし、そこに拓也も入っているような気もするし。拓也が拓也に向かって愛を歌っているようにも聴こえてくるのが面白いなって思います。『Savior』は救世主という意味ですけど、最後にある＜You were my savior＞の＜You＞と＜my＞が何を刺すのかによって変わってくるじゃないですか。その余白がまた美しいし、奥行きがあるから。なので拓也に真意を訊かなくてもいいかなとは思ってるんですけど、たとえば“愁”の＜君の待つカーテンコール＞という歌詞も、みんなが待ってくれてる、ファンの人が待ってくれているっていうことを思い出させてくれるもので。そういうふうに僕ら自身にも刺さる歌が多いなって思います」
聴いた人それぞれが自分の宝物にできる曲ですよね。音楽的にも、ここまで疾走感を前に出した楽曲は久々じゃないですか。ベースとしては、どんなアプローチで臨んだ曲ですか。
あきら「これ、ベースはめちゃくちゃシンプルなんですよね。曲の疾走感を止めないようにしたかったので、ずっと歌の横で走ってるよっていうイメージでした。必要なことしかしてないし、ずーっとシンプルです。でもこの曲で気づけたのは……シンプルなベースでもカッコいい曲になるから、世のベーシストはそんなに動き回らんでもええよってことですね」
ははははははは。
あきら「僕も含めてね（笑）。ライヴではどうなるのかなって、ワクワクする曲です。スタジオでピック弾きを試してみたんですけど、いつもの高い位置やと弾きづらくて。それでベースを低い位置で構えてやってみたら、みんなから『似合わん』って言われました（笑）」
新鮮でいいじゃないですか（笑）。
あきら「いや、鏡で見たら、僕も『誰やこいつ』って思ったんで（笑）。それも含め、ツアーでどうなってるかを楽しみにしていて欲しいです！」
承知しました（笑）。バカみたいな感想になりますけど、こういう爽快な8ビートがカッコいいバンドはカッコいいに決まってるよなって、そう思わせてもらった曲です。
あきら「ほんまにそうですよね。結局、これが一番カッコいいんやろうなって僕も思いました」
そしてラストの“See you again”。「また会おう」という約束を歌にしていくところが、今のオーラルがライヴに懸けているものを表していると感じました。生きてきたし、生きていくし。それを共有し合う場所としてライヴがあるっていう。
あきら「“See you again”はまさに、生きてきた過去と今とが繋がって、さらに未来が見えてくるような歌やと思うんですよね。単純に、アルバムの最後を飾るのが“See you again”という言葉なのが温かくて素敵やと思いますし。“UNDER and OVER”にも＜「バイバイ」じゃなくて／「またね」と言っていた＞という歌詞がありますけど、＜またね＞っていうのが今回のテーマなんじゃないかなと思っていて。『またライヴハウスで会おうぜ！』っていうのをテンプレじゃなくて本心として思ってたんやって僕も感じたし、その等身大の本音をそのまま歌に落とし込んだんやと思うんですよね。それがこんなに明るい曲になったのが嬉しいことですし、僕らの今のライヴの空気感もセットで“See you again”を聴いてもらえたらいいなって思います。ライヴでさらに化ける曲だと思うので、それが楽しみです」
オーラルは変わり続けてきたバンドですが、その旅の答えみたいなアルバムだと思います。かつて拓也くんが「闇や傷を請け負うのがロックバンドだと思う」と話していたのもきっと本音だったと思うんですが、それ以上に「この音楽の中くらいは幸せな場所であって欲しい」という願いが聴こえてくるし、そういう答えに辿り着けたこと自体が、ここまでの旅の意味だったんじゃないかなと。そんなふうに感じました。
あきら「このバンドを始めた時、THE ORAL CIGARETTESとはどんなバンドですか？って訊かれた時に『やりたいことをやるバンドです』と答えられるようにしようって言ってたんですよ。そういう気持ちで始めたバンドでよかったなぁって思いますね。ギターロックをやろう！って言ってたら拓也はギターを置けなかったやろうし、ずっとライヴハウスで鳴らすバンドになろう！って言ってたらホールもアリーナも経験できなかった。やりたいことをやるバンドやから、たくさんのことを経験して、人間的な成長がバカ正直に音楽に出てきたんやと思います」
そして『AlterGeist0000』のツアーが始まりますが、最高傑作を提げたツアーであることはもちろん、2024年内はライヴ活動を休止されていたこともあり、いろんな気持ちを持ってのツアーになるんじゃないかなと思います。どんな気持ちで臨みたいと思っていますか。
あきら「めちゃくちゃ正直に言うと、まだライヴへの恐怖心があって。でも、ずっと待ってくれていた人に会える場所がようやくできたし、みんなは全力で『おかえり』って言いたいと思うんです。僕らはちょっと申し訳なさそうに『ただいま』って言うと思うんですけど。このツアーを回り切った後に、改めてファンに支えられてるんやなって感じるやろうし、ツアーを走り切った最後に、ようやく全力で『ただいま』って言えると思うんですよね。今の僕らの等身大を目撃して欲しいし、今の僕らの気持ちは全部ライヴに詰まっていると思うんですよ。……今日のインタヴューでも話しましたけど、等身大っていう言葉を最近よく言ってる気がするんです。それが人生におけるテーマになってきているからこそ自分の口から出てきているんやろうし、そうなれば、去年のライヴとは全然違うと思うので。ぜひ観て欲しいなって思ってます」
「PARASITE DEJAVU 2024」の件があってライヴ活動を休止されている間、ファンから届く声に対してどんなことを思いましたか。
あきら「パラデジャで怪我をされた方のお家に伺った時に、ご本人の家族の方はめちゃくちゃ怒っていらっしゃったんですよ。でもオーラルに怒っても仕方がないっていうもどかしさも伝わってきて。それを感じた時に……僕らのライヴに来てくれる人達にも生活があって、その人にも大切な存在がいて、その人の部屋には僕らのCDが並んでいてっていうふうに、僕らの音楽がその人の人生の一部になってるんやなって痛感したんですよ。聴いてくれる人の日々をより一層想うようになったので、それを感じながらライヴをやったら僕らはどう変わるかな？っていうのが今考えてることです。他にも、直接会いに行った時に『お忙しいのに、直接会いに来てくれてありがとうございます』ってむしろ気を遣ってくれる方もいて。僕らは怪我をさせてしまった側やのに、逆に温かさをもらったんです。ライヴを待ってくれているファンからのDMも、ことごとく温かかったんですよ。それも踏まえて、これからを背負っていくつもりでいます。返せるものを全部返していきたいなって思ってます」

TEXT:矢島大地 (MUSICA)